練習方法について考えて、だらだら考えたことを書いた記事。
あとから思いついたことを書き足したり推敲したり消したりをしたりしなかったり
絵が上手くなるための練習方法について
そもそも絵が上手いとはどういうことなのか、その定義から考えてみたいと思います。
キャラクターや写真などの資料を横に並べて、白紙にそっくりそのまま描くことが出来る、これは何種類もあるうちの、「絵が上手い」の一つの形だと思います。
対して、何も見なくても、頭の中に思い浮かべた画像を思い通りに紙やモニターに描くことが出来る、これも違う形の「絵が上手い」ではないでしょうか。
他には、技術的には今一つでも何故かパワーを感じて惹きつけられて、じっくり見てしまう絵、これも「絵が上手い」の一つです。子供のコンクールの絵などがこれにあたる気がします。
似たところでは、構図や色、表現方法で人を惹きつけられるというのも、「絵が上手い」ですね。
では、頭に浮かんだ描きたい映像を、必要な資料を見ながら、自分が必要な分だけのリアリティを持たせつつ、何故かわからないけど(実際は理由があるけど)惹きつけるパワーを持たせて描く、これがまぁ、イラストを描こうとする人の、ある程度の共通の目標ではないでしょうか。
絵の上達のために模写をしよう 模写のやり方
イラストが上手くなるための練習で、好きな絵を模写してみましょう、というのはどこでも言われることですよね。模写のやり方自体は、他にもっとわかりやすく解説してあるサイトがいっぱいあると思うので詳しくは書きませんし、この記事は技術的なことが書きたいわけじゃないのでここは適当に書きますが……
全体のパーツ間の比率、色、明暗の差が、お手本と同じになるように描くのですが、まずはパーツごとの比率や間隔が同じになるように描いていくのが第一でしょう。色や明暗の差などを似せるのは、形が似せられるようになった後でもいいと思います。最初にキャラの右目を描いたなら、目の大きさ〇個分の間をあけて左目があって……という風に、構造そのものを真似ること(例えばまつ毛が〇本あって……)などよりも、パーツの大きさと間隔を真似ることに重点を置き、それが模写元と同じであれば、自然とそっくりな絵になるということです。色々な人が最初に丸描いて十字描いて……みたいなことをやるのは、先に大きさと比率をおおまかにうっすら描いて目安を全体的に描いてから、その後に細部を描いていく準備をしているということです。
模写をやるときの注意点
自分の絵が上手くなるために模写をするなら、お手本と同じように描ければそれでいいわけではありません。同じように描けるのは最初の最初の前提の話で、じゃあなぜ模写しようと思ったその絵が魅力的なのか、理由を考えながら描かないと効果が薄れると思います。
例えば模写元の肌の塗り方が魅力的なら、光が当たった部分と影の部分の塗り分けがどうなっているかとか(この絵は影の部分の方が彩度が上がっているなとか、影色がまわりの環境光の影響を受けているなとか、光と影の境界の描き方でこういう箇所はぼかして、こういう場合はクッキリ分けて塗られているなとか、反射光が入ると立体的になるなとか、まだまだ沢山)肌の塗り方を考えるだけでも、かっこの中の文章みたいに、膨大な量になるわけです。
同じようにキャラの顔が可愛いなら、なぜ可愛いのか(目と目の間隔がこれだけ広いとこんな印象になるとか、目と眉毛の間が狭いと精悍な感じになるなとか、顔の真ん中より下側に各パーツが寄っているから幼く見えるんだなとか)、また膨大な量の、考え出せばキリがない、その絵が魅力的に見える理由がいっぱいあります。
そういういうことを考えずに模写し続けていても、模写元と同じポーズ、同じ構図の絵を覚えるだけ、文字通り「同じ」絵が描けるようになるだけで、なぜその絵が魅力があるのか理解するところまでいかず、ということは、自分なりにオリジナルで描いてみた絵が上手くなるわけもないんだと思うのです。なので自分の絵柄に、模写元の絵の良いところを取り入れられるように、考えながら模写しましょう。
模写をしないタイプの人について
上手な絵描きさんのなかには、私はあまり模写をしません(最初はしてたけど今はしませんも含む)という人もいると思います。この人たちがどうやってそこまで上手くなったのか、私なりに考えてみます。
まず、こういう方々は自分で考えた構図、キャラなど「練習とか決めつけないで好きなものをさっさと描く」という状態で、描いてる途中に想像だけで補えない部分を、現実の物体を資料として観察したり、好きな絵師の好きな部分を観察したりしながら描いていると思います。模写ではなく、オリジナル(または自分で構図などを考えたファンアートなど)を、必要な資料を見ながら描く。練習と本番を同時にやっているわけです。好きな絵を描きながら、あーここはどう描けばカッコよくなるんだ？このポーズはどう描けば自然になるんだ？この材質の質感はどう描けばそれっぽくなるんだ？という風に、必要に感じた部分を見つけては、その都度資料にあたっているんでしょう。だから模写をあまりしなくても、上手くなっていくんだと思います。
模写はあんまりしなくても上手いし嫌ならしなくていいよと言う人は居ても、最初から資料を見ずに描きましょうと教える人はほぼいないはずです。まず実物を観察して描く、を積み重ねることで、だんだんと手癖だけでもそれっぽく描けるようになっていくということです。
ちなみに私も模写は最近全然してないです。理由は面倒だからです。(笑)。草。ワロス。でも、したらしたで絶対上達の手助けにはなると思うんですけど……面倒なんでｗｗｗ
どうしてクロッキーをやるのか考える
クロッキーも絵の上達に良いと言われていますよね。
比較的短い時間で、少ないラインで、いろんな方向からみたいろんなポーズの人間とかを、ササッと何体も描いていくわけですが、これを続けていくことで、自分が描こうと思ったポーズを、自然に想像で描けるようになったりするんだと思います。
思いますというのは、私がほとんどクロッキーをしてこなかったからですね。(笑)
なのでここで書けるようなことは何もなくｗｗｗ
ただこれも模写と同じで、ただ枚数とか数をこなすことだけ考えてそれが目標にすり替わってしまうと、意味や効果が薄れると思います。クロッキーだったら、このポーズのこの向きは、ここの部位の間隔はこれだけあくんだな……とか、このポーズは思ったより鎖骨上がるな……とか、体をここまで曲げると、この骨がよく浮き出て見えるな……みたいなのとか。服を着ている人の絵なら、この姿勢だと服が引っ張られて大体こういう形のシワになるんだなとか。やっぱり考えながらこなすのが大事かと思います。クロッキーそのものは瞬時に必要なラインを見出してサッと描くことも大事だと思うので、描き終わった後のやつと写真を見比べて考えたりとか。
まぁ私はぜんぜんやってないんですけど。面倒なんでｗｗｗ
でもやったら上手くなれそう！
練習した後にやるべきこと
よく、イラストの教本〇〇を完走しました！みたいなやつとか、スケッチブックが積み上げられた画像とか、クロッキー何枚やりました！とか、そういうのをSNSにあげている人がいます。その努力したこと自体は素晴らしいことで、褒められていいものだとも思うのですが、実際は練習したことよりその後の方が重要だと思うのです。
それというのは、練習したことを本番の絵、自分の絵に取り入れて試すことです。人体の構造の把握をするためにいっぱい骨や筋肉を描いたなら、服のしわを上手く理解するために練習したなら、変わったポーズが描けるようにいくつも描いたなら、かわいい顔を描けるように他の絵師を参考にして練習したなら、それが必要になるような構図の絵を、試しに描いてみましょう。
あれ……？腕を上げた時の腋の構造とか、練習したのに思い出せない。かがんだ時の服のシワ、練習したのに思い出せない。走りだしてこっちに向かってくるポーズ、練習したのに思い出せない。綺麗な瞳の描き方、練習したのに思い出せない。ウワァーーあのウン十時間は何だったんだ！！
想像で描こうとしても、練習する前と後でそこまで変わった感じがしないかもしれません。もちろん全く違いを感じないわけじゃないと思います。でも結局また写真や練習したところを見直しながら描かないと、上手く描けないんじゃないでしょうか。それどころかお手本を見ながら描いても、練習前に比べて劇的に上手になったとは感じないかもしれません。
何が言いたいのかというと、学校の勉強とテストと同じなのです。授業を受けて勉強し、覚えているかテストで試し、忘れていたところを覚えなおして、また実践テストして、そうやって繰り返して、記憶、知識、技術を頭と手に定着させることが大事なのです。
だからサラっと練習したこと自体に満足して、実際にその後に描くのはいつも描いている上半身と顔だけの絵、とかやっていると、いつまで経っても成長していきません。練習したことを覚えているか試すのは、実際にはうーん、うーんと同じことをまた悩んで反復することになるので、楽しくないかもしれません。
でもそうやって試して覚えなおしてを繰り返すことで、想像でスラスラ描ける範囲や物が広がっていったり、応用できる他のものが上手く描けるようになったりするんです。その範囲が広がってくるとやっと楽しくなってきます。神絵師が淀みなくスラスラと手を動かして、たった〇分でこんな絵が！みたいなのは、何枚も何枚も何枚も練習して体で覚えた手癖で描ける範囲がとてつもなく広いからなんですね。
ガチの初心者が、まずやるならどんな練習がいいか
これに関しては色々言われていますが、まずはやっぱり「模写」からがいいんだと思います。描きたいもの、自分が興味を持てるものを横に並べて、それを見ながらそっくりに描く。風景を見ながら描いたり。理由とかを書いてみます。
どんな絵が描きたいと思ったのか
あなたが描きたい絵とはどんなものでしょうか。好きな漫画やアニメのキャラクターですか？または、動物でしょうか。風景画が描きたいと思った人もいるでしょう。草木や花、乗り物やロボットとかもいいですね。まずは、最初に描きたいと思った好きなものから模写を始めてみましょう。少し描いてみて、なんだこれは……と絶望してはいけません。SNSに流れてくる神イラストと比べてもいけません。上手い人たちは、千時間～一万時間、さらにはそれ以上、ひたすら描き続けているから上手いのです。あなたが想像しているより、もっともっと描いています。
じゃあ今から描きはじめてもその上手さに並べないのかというと、そんなこともないでしょう。昔と違って少しググれば色々なお絵描きのノウハウがネットにいっぱい転がっているし、考えながら練習すれば、先人に追いつくことだって可能だと思います。
キャラが描きたい場合
私が絵を描くことに熱中しだしたのは、子供の頃にドラゴンボールや幽遊白書などのアニメを見て、自分でもそのキャラの絵を描いてみたいと思ったところからだった気がします。なので、漫画や下敷きなどのグッズに描いてある悟空たちを、横に並べて模写をしていました。似せて描くためには、上の方でも書きましたが、輪郭や目など各パーツの大きさと距離など、見本をよく見て同じ大きさになる比率を意識して描くところからです。目と目の間はどれくらい離れているかな？目一つの大きさの〇分の1くらいか……鼻と口がこの絵ではこれだけ離れていて……みたいなかんじです。同じように輪郭はこの顔のパーツ何個分くらいで……とか。頭の半分くらいのところに目があるかな……？とか。基準となる何かをその都度決めながら、それを物差しにする感じの描き方もいいかもしれません。定規とかで本当に測って描くのは、絵を描く感覚から離れすぎちゃう気がするので、まぁやらないほうがよさそう。
で、それを繰り返して描いて消して位置調整していくと、少しずつ見本と同じような絵になっていくと思います。同じ見本を繰り返し模写すると、見本を見なくてもある程度描けるようになってきて、練習し続けた見本の絵だけは、同じように描けるようになっていきます。絵描き歌の絵が毎回同じように描ける感じで。
最初は首もない顔だけのキャラでもいいと思います。それがそっくりに描けるように練習して、まずは顔だけでも似せて描けたな、という満足感や描く楽しさをちょっとずつ覚えて、次第に見本通りの全身の絵が模写できるようになっていきましょう。
私の母親は手塚治虫先生の漫画、リボンの騎士が好きで、主人公のサファイア王女を描くのが上手でした。何も見なくても、手が覚えていたんだと思いますが、毎回そっくりの王女の絵が描けました。ただ、ポーズや構図は毎回同じだったと思います。つまり、一つの見本を繰り返し模写してそっくりに描く練習だけだと、見本を見ずに同じ絵が描けるようになるだけだということです。違う見本を参考に模写したら、描ける模写絵のバリエーションが増えます。でもそれだけです。
で、ここから自分が考えたポーズが描きたい、違うアングルの絵が想像して描きたいとなると、同じキャラでも途端に難しさが上がります。そもそも描いていた模写絵では、見えていなかった部分も描く必要がでてきますし。初心者の方がなんとなく考える、何倍もの努力が要ると思います。しかも、練習が楽しくないかもしれません。なので好きなキャラの、見本の絵がいつも通り描ければ楽しくて満足なら、描ける見本を増やしていくだけだって、いいと思います。
自分で考えたポーズや構図で描きたい場合
これをするために大きく分けると二通りのやり方があります。一つ目は、自分の頭の中で人形にポーズをとらせ、それの顔を描きたいキャラの顔に変え、服を着せるところまで想像したものを、考えながら絵に描く方法。人体の構造をなんとなくは把握してあることが前提で、さらにある程度空想のカメラでアングルを自由に変えられないといけません。絵のプロでも難しいです。
二つ目は実際に描きたいポーズと似たポーズをとっている人物やキャラを、ネットなどで探す方法です。服を着せた時のしわのつき方なども、似た形のものを探せるとさらにいいです。注意点として、他者が撮った写真や描いた絵には著作権がありますので、そっくりそのまま同じように描いて発表してはいけません。あくまでも部分的な参考程度にとどめ、それもきちんと形や角度を考えて変えたりして、自分の絵で描きましょう。他にもデッサン人形などにポーズをとらせる方法もあります。鏡の前で自分でポーズをとったり、それをスマホで撮ったりしてみるのも有効です。
この二つのやり方を併用するのがよいです。ただ、極論を言ってしまえば、同じようにポーズをとらせた資料が自前で用意できるなら、それを見てそっくりに描けばいいわけですから、人体の構造がしっかり把握できていない初心者の方でも、それなりのものを描くことは可能です。
動物や風景などが描きたい場合
漫画的な動物を描きたい場合はキャラクターとしてデフォルメされた動物を参考にするとして、リアルめな動物や風景画などを描きたい場合は、先入観をなくして描くのが大事かなと思います。
どういうことかというと、例えば木を描いてくださいと言われたら、緑の葉っぱと茶色の幹、と思い込んで描くのが先入観ということです。ネズミを無条件に灰色で塗ったりとか。リンゴだから当然、赤で塗ろうとか。空だから青く塗ろうとか。実際どう見えるかを考えずにイメージで描いちゃうのが、あまりよくないんじゃないかと思うわけです。
日光に照らされた木々は黄緑、黄色の葉に見えたりしますし、影の部分は青く見えたりもします。空や海なども光の加減や天気の状況で黄色くなったり暗く黒っぽくなったり、白く光って見えたりもします。そういうふうに実際に目で見たまんま描くことが、生き生きした絵を描く一つの方法なのです。
じゃあすべてを見たままに描けばいいかというとそうでもなく、例えば食べ物を描くときに少し鮮やかめな色を使うことで美味しそうに見せたり、風景は明るいところのはずなのに、くらい、寂しい印象を与えたいときには重たい感じの色を使ったり。逆に怖い感じの場所なのに妙に明るい色合いにしておかしな雰囲気を出したりとか。他には実際に光が当たってる方向とは別の方向から光を当てた絵にして、印象を変えたりもできます。一部分だけあえて全然実物と違う色を使ったりしても面白いかもしれません。反射光を突飛な色に変えてみたりとか。このあたりはキャラクターのイラストを描く時にも同じ応用が出来ますね。色々考えたら楽しくなってきませんか？
絵は自分の好きなように嘘をついて描いていいのです。